Sonia Gomes. Cœur sauvage

Née en 1948 à Caetanópolis, au Brésil, Sonia Gomes vit et travaille à São Paulo. Venue à l’art après une carrière de juriste, elle fait des textiles le point de départ de sculptures où se croisent histoires personnelles et mémoire afro-brésilienne. Cœur sauvage rassemble des œuvres suspendues, accrochées aux murs ou posées au sol, qui donnent aux tissus une présence presque organique.

Cordes, broderies, morceaux de bois et objets récupérés rejoignent les étoffes trouvées ou offertes. L’artiste noue, torsade, coud et assemble ces matériaux sans effacer les traces de leurs usages antérieurs. Dans Tereza, les coutures, cordons et dentelles s’étirent sur une corde ; d’autres pièces se ramassent en volumes souples ou dessinent des réseaux ajourés.

Le parcours invite à regarder ces gestes autant que les formes achevées. Le rouge y revient, parmi les textures et les couleurs, tandis que les savoir-faire afro-descendants relient la matière aux questions de transmission. L’exposition aborde ainsi les héritages coloniaux et les rapports de race et de genre à travers des objets chargés de vies passées, transformés par la couture.

Présentation de l’exposition

Toi et ta bande

Comment crée-t-on lorsqu’on choisit de vivre loin des grands centres urbains ? Cette exposition collective rassemble une vingtaine d’œuvres liées à des territoires de campagne, de montagne ou insulaires. Bretagne, Cévennes, Corse, Guadeloupe, Hautes-Pyrénées, Limousin et Pays basque dessinent une géographie où les lieux de vie comptent autant que les lieux de travail.

Le titre vient d’une œuvre de Gina Proenza. Les « bandes » sont ici des collectifs d’artistes, des lycéens, des chorales ou des communautés réunies par des activités et des luttes. De nombreuses œuvres ont été produites pour l’exposition. Parmi les ensembles présentés figurent les photographies de Marine Peixoto dans les Cévennes, La pluie qui colore les joues de Lisa Di Giovanni et la série Nocturama d’Angèle Dumont et Léa Lerma.

Le parcours s’attache aux liens affectifs avec un territoire, mais aussi aux conditions concrètes qui permettent d’y créer ensemble. Les préoccupations écologiques et sociales traversent ces manières de s’organiser. La diversité des œuvres fait apparaître des communautés de travail et de vie dont les choix dessinent d’autres rapports entre art, espace et quotidien.

Présentation de l’exposition

Valérie John. I telman nwè ki i blé (Si noir que cela en devient bleu)

Née en 1964 à Fort-de-France, Valérie John travaille entre la Martinique et le Sénégal. Ses assemblages de papiers et de textiles explorent la mémoire des matériaux et la construction des identités. L’exposition revient sur sa création depuis les années 1990, lorsqu’elle choisit de revenir en Martinique pour y établir son atelier.

L’indigo donne sa couleur au parcours : il passe du bleu profond à des noirs lumineux. Installations, vêtements, livres et objets occupent les murs, le sol et les suspensions. Les matériaux collectés, réemployés et superposés gardent des traces d’écriture et d’usages ; leurs épaisseurs font se rencontrer des histoires individuelles et collectives.

Le pagne, étudié dès ses recherches universitaires, est l’un des fils de ce travail. L’apprentissage de la teinture au Sénégal nourrit un dialogue entre pratiques artisanales, milieu insulaire martiniquais et mémoires transatlantiques. L’eau, le deuil et la réparation traversent ces transformations de la couleur. Regarder les couches de papier et de tissu, leurs recouvrements et leurs dévoilements, permet de suivre la manière dont l’artiste construit une œuvre à partir de fragments porteurs d’histoires.

Présentation de l’exposition

Ali Cherri. Today is OK

Artiste et réalisateur franco-libanais né à Beyrouth en 1976, Ali Cherri associe films, sculptures et installations pour interroger les récits qui fondent les nations. Today is OK part de La Sentinelle, présenté à Cannes en 2026, puis en prolonge les images dans l’espace d’exposition.

Le film suit Lafleur, un soldat français, au cours d’une journée de fête nationale. Le poids du devoir militaire, les errances nocturnes et des rencontres déplacent le récit vers le rêve. Nahuel Pérez Biscayart et Éric Cantona figurent au générique. Autour de l’écran, des décors et des sculptures reprennent les questions du gardien, de la préparation au conflit et de la guerre vécue par les corps.

Les espaces empruntent au théâtre et à la peinture pour brouiller les repères entre ce qui est joué et ce qui semble réel. Une sculpture monumentale inspirée des monuments militaires occupe le cœur du parcours. Elle déplace les signes de l’héroïsme vers la fragilité des soldats. Le passage du film aux volumes fait ainsi circuler le regard entre les images de puissance et les possibilités de fuite, de résistance ou d’abandon.

Présentation de l’exposition

Paul Kodjo. Photoromance

Photographe ivoirien, Paul Kodjo (1939–2021) a accompagné les transformations culturelles et sociales de la Côte d’Ivoire après l’indépendance. Photoromance rapproche ses récits photographiques et son travail documentaire. Coproduite avec les Rencontres d’Arles, cette exposition retrace son passage à Paris dans les années 1960, puis son retour à Abidjan dans les années 1970.

C’est à Abidjan qu’il crée MAMEDIS, une agence mêlant photographie, cinéma et édition. Ses photoromans paraissent dès 1971 dans Ivoire Dimanche. Intrigues sentimentales, cadrages et mise en scène des personnages font entrer le mouvement du cinéma dans une suite d’images fixes. Les histoires se déroulent dans la rue comme dans les intérieurs domestiques.

À côté de ces fictions, les photographies documentaires montrent les nuits d’Abidjan, les vêtements et les relations sociales d’une ville en transformation. L’ensemble permet de rapprocher les scénarios amoureux des usages et des aspirations de l’époque du « miracle ivoirien ». Une grande partie du corpus a longtemps été peu montrée ; la sauvegarde menée par Les Rencontres du Sud a permis de remettre en circulation ces images et les récits qu’elles portent.

Présentation de l’exposition

Rose Lowder. La Source de la Loire et autres films

Née à Lima en 1941 et installée en France après des études d’art à Londres, Rose Lowder pratique un cinéma expérimental consacré à la perception. Depuis les années 1970, elle compose ses films en travaillant les images à l’intérieur de sa caméra Bolex 16 mm. Ici, ses réalisations récentes invitent à observer l’eau, les plantes et les mouvements les plus discrets du paysage.

La Source de la Loire est projeté sur pellicule. Réalisé entre 2019 et 2021, le film revient au printemps, trois années de suite, au mont Gerbier de Jonc. Le ruisseau qui donne naissance au fleuve devient une matière de cinéma, transformée par le rythme des images plutôt que conduite par un récit linéaire.

Vingt films d’une minute l’accompagnent, réunis en « bouquets ». Ils ont été tournés dans des propriétés du sud de la France et du nord de l’Italie où la biodiversité est préservée. Les plans très brefs et les superpositions sollicitent l’œil : les détails du réel se recomposent au fil de la projection. Le programme donne ainsi à voir une méthode de travail attentive aux lieux proches et à ce qui s’y renouvelle.

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Céleste Richard-Zimmermann. Toutes les colonnes n’ont pas un cœur de pierre

Née à Mulhouse en 1993 et formée aux Beaux-Arts de Nantes, Céleste Richard-Zimmermann développe des installations et des récits visuels. Lauréate du Prix des Amis du Palais de Tokyo 2025-2026, elle imagine ici une carrière de pierre abandonnée, organisée autour d’une grande colonne brisée, décapitée et creuse.

Sculptures, bas-reliefs, peintures et création sonore recomposent un paysage de monuments en ruine. La pierre, le plâtre, le cuivre et le polystyrène rendent les matières difficiles à distinguer. Des motifs empruntés à la statuaire officielle côtoient graffitis, traces d’atelier et marques d’altération. L’exposition interroge les histoires qui construisent les monuments et la manière dont leurs symboles se transforment ou perdent leur autorité.

Présentation de l’exposition